Arquiteta e urbanista, especialista em Gestão de Projetos e mestre em arquitetura pela UFRN. Atualmente é sócia da PSA Arquitetura em São Paulo (www.psa.arq.be) e da PROA Brasil (www.proabrasil.com), em Natal-RN.
5 dias. 180 expositores. Galerias, estúdios de design, museus, editoras e instituições culturais ocupando cada centímetro do Pavilhão da Bienal no Parque Ibirapuera. A SP Arte 2026 é, em números, a maior vitrine de arte e design da América Latina. Mas o que me move a escrever sobre ela não é o tamanho — é o que acontece dentro.
Arte sendo consumida. De verdade.
Há algo raro e poderoso em observar uma multidão heterogênea diante de uma obra. Na SP Arte, dividem o mesmo corredor o colecionador experiente, o estudante de artes que veio de Recife, a família que trouxe as crianças, o arquiteto em busca de referência, a pessoa que simplesmente sentiu curiosidade. Idades, sotaques, repertórios completamente distintos — todos parados diante do mesmo objeto, cada um vendo uma coisa diferente. Esse é o fenômeno que a feira produz e que nenhum dado de mercado consegue capturar.
A arte, quando consumida coletivamente, deixa de ser privilégio e vira experiência compartilhada. E a SP Arte, na sua 22ª edição, tem consciência disso: ampliou o espaço do design autoral brasileiro com o Design NOW, trouxe 19 estúdios estreantes, abriu a programação de talks para o público geral. São escolhas que ampliam o espectro de quem entra — e de quem sai transformado.
O Brasil é um país que historicamente tratou arte como ornamento de elite. Cada vez que uma feira desse porte recebe um público genuinamente diverso — e a SP Arte recebe —, está contradizendo essa herança. Não por decreto, mas porque colocou obras boas num lugar relativamente acessível e deixou as pessoas chegarem.
Isso, para mim, é o fato urbano mais relevante desta semana em São Paulo.
*Este texto não reflete, necessariamente, a opinião do Caos Planejado.
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